Hace un par de años, Juanes interpretó en un concierto acá en nuestro país, una emotiva versión del tema Ella, a manera de homenaje al cantautor y cineasta argentino Leonardo Favio, quien nació el 28 de mayo de 1938 en Luján de Cuyo en la provincia de Mendoza bajo el nombre de Fuad Jorge Jury.

En Colombia y en muchos sectores del mundo es conocido Leonardo Favio como cantautor solamente. Este programa pretende acercarse a la memoria viviente en el mundo del cine, de este argentino que desde los años sesenta, anda conquistando el mundo con sus éxitos musicales como: Fuiste mía un verano.

Foto Cine Latino Trieste

El cine

Con un trabajo repartido entre el canción y el cine, Leonardo Favio se ha convertido en un ícono en nustra reciente memoria audiovisual latinoamericana. Un personaje que empezó haciendo de extra y que fue escalando en la escena cinematográfica argentina, hasta convertirse hoy en día en uno de los más influyentes directores del continente; de hecho, en una encuesta realizada entre el gremio audiovisual argentino (directores, productores, actores, guionistas, etc) fue catalogado como el director de cine más importante de la historia en Argentina.

Muchas personas se sorprenden cuando se asocia al intérprete de “Simplemente le regale una rosa” con el cine. Lo más importante es que las producciones de Favio no poseen caracterísitcas “rosa” por el romanticismo que emanan sus canciones. No, el cine de Leonardo Favio, además de contestatario, de denuncia, contenía unas fuertes cargas artísticas influenciadas por el neorealismo italiano, y por parte de la nueva ola francesa.

En su extensa obra cinematográfica, se pueden observar referencias constantes de Godard, Fellini, Rosellini, De Sicca y Truffaut entre otros.

Esta faceta cinematográfica de Favio es la que será evocada a manera de homenaje entre el 15 y el 19 de abril en el 7 Festival Internacional de la Imagen, en la ciudad de Manizales.

Foto Wikimedia

El programa

El programa de hoy se dedica a hablar de la vida de Leonardo Favio, a propósito de la exposición: Favio, sinfonía de un sentimiento, que se llevará en el Museo de Arte de caldas, entre el 15 y el 19 de abril, en el marco del 7o. Festival Internacional de la Imagen en la ciudad de Manizales. Tendremos por tanto, una particular banda sonora en el programa… y cuando digo particular, hago referencia a los sonidos romanticos pop latinoamericanos que Favio representaba como estrella musical en los años 60 y 70.

Suena éste sábado 12 de abril de 2008 a las 10 de la mañana por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

El podcast

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Jean-Dominique Bauby es el hombre que lo tiene prácticamente todo: reconocimiento profesional, el amor de una mujer, dos hijos y una gran calidad de vida. Jean-Dominique sufre una embolia masiva mientras conduce su carro por los paisajes franceses. Esto le produce una extraña enfermedad conocida como el síndrome del cautiverio, que consiste en algo así como el desprendimiento de las funciones motrices de las mentales. Eso se traduce en que pude pensar, ser conciente de toda su vida, de sus recuerdos, pero solamente pude mover los párpados de sus ojos.

Baudy, después de más de un año en el hospital, emprende la tarea de traducir en un libro las memorias de su vida en “La escafandra y la mariposa“, una historia que traduce su impotencia estando atrapado en un cuerpo que no puede controlar, en contradicción con los sueños que su mente le permite tener.

Foto IMDB

La historia de Schnabel

El concepto de autor en el cine moderno está bastante posicionado. Ejemplos de eso son David Lynch, Ken Loach y Quentin Tarantino. Pero el valor artístico es habitualmente un punto privado en el campo cinematográfico. Con Julien Schnabel hay un convencimiento de que la frontera entre autor y artista queda difuminada.El director tiene un espíritu renacentista (es escritor, pintor, compositor y cineasta) con una mirada vanguardista y trasgresora del mundo, y del arte.

En La escafandra y la mariposa, construye una hermosa historia, con un guión redefinido con cada uno de los actores, y con la legitimación estética del fotógrafo polaco Janusz Kaminski.En buena parte de la película, la accin se muestran a través de un cine-ojo total, aquel mismo que Dziga Vertov trabajara a principios del siglo 20.

Impactante y visceral forma de contar la historia, ya que Schnabel nos adentra por completo en la piel de Jean-Dominique, haciéndonos partícipes de los sinsabores que su estado de postración absoluta le genera. Lo que ocurre en su mente y corazón logra perturbarnos, identificarnos, exaltarnos y conmovernos.Jean-Dominique Bauby, periodista, de 44 años quien se definía a sí mismo como el mutante, murió el 9 de marzo en un hospital de París, casi una semana después de haber sido publicado su libro “La escafandra y la mariposa“.

Foto IMDB 

El programa”

La escafandra y la mariposa” la película de Julian Schnabel, es  el tema del programa de ést sabado de Cine al Oído en UN Radio. La banda sonora cuenta con canciones de Charles Trenet, The Dirtbombs, Tom Waits, U2 y The Velvet Underground, entre otros.

Suena éste sábado 29 de marzo de 2008 a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

El podcast

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Resulta indiferente si se tiene conocimiento o no sobre la obra musical de Joy Division, y también resulta indiferente si afinidad hacia los músicos ingleses. Anton Corbijn se adentra en los sentimientos, en las emociones, en la demoledora vida interior de Ian Curtis y en la relación con su mujer en su ópera prima "Control". Sam Riley no interpreta a Ian Curtis, es prácticamente Ian Curtis, elaborando un desarrollo de su personalidad y una presencia en el escenario abrumadora. Explorando los vacíos existenciales del personaje y las tramas del amor y el deseo, consiguen convertir lo que en principio parecía un mero relato biográfico en una profunda reflexión sobre fantasmas de la mente y sus efectos.

Foto Sitio Oficial de la película

Ian Curtis tenía 23 años cuando se suicidó en su casa de Manchester, el 18 de mayo de 1980. Su banda, Joy Division, sólo había editado un disco, "Unknown Pleasures", pero su sonido oscuro y sus letras pesimistas ya les proyectaban como uno de los mejores grupos en Manchester de finales de los 70. Entre su legado brillan joyas como Transmission, Atmosphere y, sobre todo, Love will tear us apart. Al parecer, la epilepsia, el fracaso de su matrimonio y la depresión fueron demasiado para el joven Curtis.

Foto Sitio Oficial de la película

El fotógrafo holandés Anton Corbijn vivió aquellos años en Manchester y fotografíó a Curtis junto al resto de la banda (Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris) en varias ocasiones. Casi 30 años después de que el post-punk conmocionara Manchester, Corbijn, famoso por sus retratos de U2, Depeche Mode y Coldplay, entre otros, ha rodado la vida de Curtis en Control, un película de dos horas en blanco y negro.

Foto Sitio Oficial de la película

La mayor sorpresa de la cinta, ha sido la interpretación del desconocido Sam Riley, de 27 años, que exhibe un sorprendente parecido con Curtis y que ha conseguido transmutarse en el enigmático líder de Joy Division. Curtis cantaba impostando una voz profunda, con la boca pegada al micrófono y a menudo bailaba como sacudido por espasmos eléctricos. Su imagen se convirtió pronto en una de las señas de identidad de la banda.

La película cuenta con una impecable fotografía en blanco y negro, y una banda sonora perfecta. “Control” es una banda sonora que nos da pie para conocer una de las personalidades más complejas de la música contemporánea. Plagada de sensaciones encontradas y complejas metáforas acerca de la vida, la muerte y el des-control. Adentrase en el mundo de Curtis vale la pena, sobre todo si es de la mano de su música y la de quienes lo acompañaron durante su vida.

Foto Sitio Oficial de la película

El programa

Hablaremos de "Control", película que cuenta la vida de Ian Curtis de la legendaria banda inglesa de post-punk Joy Division. La banda sonora cuenta con canciones de The Velvet Underground, Joy Division, David Bowie, Kraftwerk, Supersister, Iggy Pop, The killers y New Order, quienes se encargan de realizar también toda la música incidental de la cinta dirigida por Anton Corbijn. Suena éste sábado 2 de febrero de 2008 a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

El podcast

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El peso del archivo es de 54.7 Megas y la duración es de 59′ 44"

Una de las tradiciones hindúes establece que cuando una mujer queda viuda tiene tres opciones: incinerarse junto a su marido, casarse con el hermano menor de éste o llevar una vida de sacrificio.

La historia historia que nos narra Agua, nos sitúa en el matrimonio de Chuyia, una niña que verá como su viejo esposo muere poco después de la ceremonia y por tanto sus padres, le envían a un ashram, un espacio de sacrificio donde convivirá con otras viudas.

Lo que la señala como viuda es la cabeza rapada y llevar una túnica blanca como muestra de una condición social.

Foto Imdb

Agua (Water) de Deepa Mehta es una película magnífica. El reparto coral de mujeres en la casa de viudas es excepcional: intimistas, dolidas, heridas, envidiosas, corruptas, tiernas, duras. El fluido lirismo de la cámara contrasta extranñamente con las áridas dificultades de las vidas de los personajes. Es una película con comentarios serios acerca de la aplastante situación vivida por las mujeres sometidas a religiones y dogmas sociales atrofiados. Tiene la gran cualidad de contar la historia desde el interior de sus personajes, sacando el drama humano y conmoviendo el corazón de modo inolvidable

Salman Rushdie

Foto Imdb

La película de Depepa Mehta nos cuenta la experiencia de Chuyia al convertirse en viuda a los ocho años. Chuyia observa una sociedad en decadencia y se revela contra la hostilidad que le ha sido impuesta dentro del ashram. La cámara es protagonista especial ya que con precisión y sensibilidad va siguiendo los anhelos de las viudas y sigue especialmente una historia de amor entre Narayan, un joven millonario seguidor de Gandhi y una de las reclusas, quien es la vez el sustento de la comunidad por su trabajo como prostituta. Esto se le permite una vida algo diferente y conserva una espléndida cabellera azabache.

La sensibilidad fílmica de toda la película es extraordinaria. Lo que podría haber sido visto con los ojos de un realismo sin tapujos y por tanto brutal, es en realidad una crudo reflejo desde los ojos casi misericordiosos de la protagonista. El comercio del cuerpo que someten a Kalyani, la miseria de una vida atroz de las viudas viejas, el propio desamor entre Narayan y Kalyani, y finalmente la rebelión de Shakuntala sacando a Chuyla del ashram constituyen un ejercicio de lenguaje fílmico de gran factura.

No es una historia con moraleja ecológica sino más bien un retrato social sobre una realidad que afecta a muchas mujeres en India, pero que por extensión se podría trasladar a muchos otros países. Al fin y al cabo, la esclavización se soporta sobre el mismo pilar del machismo sociopolítico.

Foto Imdb

El programa

Hablaremos de ésta hermosa cinta de Deepa Mehta, con banda sonora por cuenta de Mychael Danna .

Suena éste sábado 20 de octubre a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

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El peso del archivo es de 40.2 Megas y la duración es de 58′ 37″

<La próxima semana habilitamos el feed definitivo para todos los podcast de Cine al Oído>

A finales de los años 60, un enigmático asesino en serie atac la zona de la bahía de San Francisco. Se trataba del “Asesino del Zodíaco“, uno de los casos que han supuesto un mayor reto a los investigadores criminales. Con muertes en su haber tan misteriosas como indescifrables, Zodiac jamás pudo ser detenido o identificado y mucho menos olvidado. Tantas dudas y controversia ha sabido generar en los investigadores a lo largo del tiempo, que a día de hoy la policía no sabe con exactitud cuantos crímenes son atribuibles a este asesino.

Basado en ésta premisa Robert Graysmith creó una novela que abordaba unos asesinatos acontecidos en la parte final de los años 60 y en la primera de los 70.

La película es para ver con calma y paciencia, su larga duración y el tiempo que se toma en presentarnos la trama y los personajes así nos obliga.

Fincher vuelve y consigue, no tan sólo una película policíaca redonda, sino ir más allá y analizar la obsesión en todas sus caras y con todas sus consecuencias y nos ha regalado con ello algunas de las escenas más impactantes y visualmente atrevidas del año.

Con música de John Coltrane, Santana, Stories, Donovan y Miles Davis entre otros, el programa de hoy se acerca a la éste largometraje de David Fincher, que una vez más nos sorprende gratamente con ésta película de casi tres horas de duración.

El programa

Hablaremos entonces de ésta impresionante demostración del talento de David Fincher, al desligarse del cliché propia del género del thriller.

Suena éste sábado 22 de septiembre a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

El podcast

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Michelangelo Antonioni se dio a conocer mundialmente en 1967, al hacerse al máximo galardón del Festival de cine de Cannes con “Blow up”, película inspirada en el cuento”Las babas del diablo” del escritor Julio Cortázar. Fue rodada en inglés y cuenta la historia de un fotógrafo, interpretado por David Hemmings, que se ve envuelto en un crimen. La protagonizaron además, Jane Birkin, Sarah Miles y Vanessa Redgrave.
“Blow Up“, considerada su obra maestra.

Foto IMDB

Narrar con imágenes

La película cuenta la historia de Thomas que mientras trataba de encontrar en un parque temas inéditos para sus fotografías de modas, decide retratar a una pareja que actúa de manera sospechosa. Al revelar las fotos en su laboratorio, el fotógrafo se da cuenta que, probablemente, fue testigo de un crimen pero la confirmación de este hecho es incierta. A partir de esta revelación, Thomas comenzará a obsesionarse con las fotografías que tomó en aquel parque y con el misterio que envuelve a Jane, la mujer que quizás cometió el crimen.

El artificio de la realidad cotidiana y la aparente hiperrealidad de las imágenes capturadas por la cámara son los temas esenciales de “Blow up”, cinta con la que Michelangelo Antonioni culminó la etapa más célebre de su trayectoria fílmica.

El genio de Herbie Hancock
“Blow Up”, no podía menos que incluir a un norteamericano por lo menos, en su banda sonora.

Para esos efectos se eligió al joven pianista y tecladista Herbie Hancock que por ese entonces contaba con solo veintiseis años de edad y que había sobresalido como gran intérprete desde sus primeros discos en solitario grabados para el sello especializado Blue Note a partir de 1962, y donde destacan dos de las piezas de jazz más populares de la historia, “Watermelon Man” y “Cantaloupe Island”.

Hancock, que desde 1963 formaba parte del Miles Davis Quintet, desarrolló su particular sonido a partir de las pautas musicales de Davis, sin dejar de lado el fuerte peso que ejercía en él la música del rhythm and blues, tendencia que se hace presente en varios de los pasajes del soundtrack de “Blow Up” como en el caso de “Verushka Pt. 1” y “Verushka Pt. 2”, “The Thief” y la pista soule y beat “Bring Down the Birds” que en 1990 sería sampleada por el trío norteamericano de música house, Dee Lite en su exitoso tema “Groove is in the Herat”.

Hoy cine al oído habla de Blow up, cinta de Michellangelo Antonioni, a propósito de su lamentable muerte al martes pasado.

Foto IMDB

El programa

Hablaremos entonces de ésta hermosa cinta, del libro que la basó y de la música hecha por el pianista y tecladista Harbie Hancock

Suena éste sábado 04 de agosto a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

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Martin Scorsese en 1983 le propuso a Peter Gabriel que musicalizara su proyecto cinematográfico basado en la novela de Nikos Kazantzakis “La última tentación de Cristo”

El compositor británico tardó 5 años para hacer entrega de su particular producción. En ese tiempo, Gabriel se hallaba embarcado en un proyecto artístico que pretendía sacar al mundo todos sus sonidos, y vió en la propuesta de Scorsese un buen punto de partida.

Passion, es la base musical en la que la película de Scorsese acabaría complementándose artísiticamente; Passion consiguió además conviertirse en una obra de referencia constante en la historia musical, trascendiendo incluso el tema cinematográfico.

Hoy Cine al Oído arranca un recorrido sonoro por la obras musicales que acompañan a grandes producciones del cine en un ciclo que hemos llamado “bandas sonoras memorables” y que seguramente nos llevará por paisajes musicales de todos los tipos.

Carátula tomada del sitio oficial

El programa
Esta emisión arranca un ciclo (que no pretende tener ninguna periodicidad en particular) titulado “bandas sonoras memorables”. Peter Gabriel y su trabajo “Passion” para la película de Martin Scorsese “La última tentación de Cristo” es el encargado de arrancar estos recorridos por las músicas que todo recordamos.

Suena éste sábado 16 de junio a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

El podcast
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Con su tercera película, Darren Aronofsky se arriesga una vez más, creando una historia maravillosa; una cinta que se antoja “contundente” visual, filosófica y metafóricamente hablando.

“The Fountain” no podía haber sido mejor contada ni mejor tratada.

Un hombre que en tres épocas del tiempo y en tres partes del espacio diferente, lucha por salvar la vida de su amor, y todo ello a través de una historia que conecta todas sus partes de manera magistral, respetando siempre los principios elementales de la lógica.

Aronofsky ha hecho una película que es obvio no será para todo el mundo y que no se podría clasificar dentro del género de la ciencia ficción porque estrictamente no lo es; es más como un drama épico del propio ser humano, una poesía argumental y visual que si se está dispuesto a aceptar nos llevará a un viaje inolvidable sobre la vida y la muerte.

Foto Imdb

Acá se dice que la muerte puede ser un acto de creación.

Darren Aronofsky se ha sacrificado a sí mismo y a muchos de sus admiradores para crear esta hermosa cinta.

La promoción que se ha hecho de “The Fountain” es completamente engañosa, falsa y manipuladora; y la sinopsis que han distribuido los medios es completamente subjetiva, dado que es una película completamente abierta a la interpretación y que busca ahondar más en las emociones que la razón.

“The Fountain” es cine en estado puro, su potencia visual es tan deslumbrante y abrumadora que se resiste a cualquier tipo de análisis racional.

Foto Imdb

The Last Man

El título que este proyecto tuvo durante mucho tiempo fue The Last Man, para pasar a convertirse después de muchos inconvenientes en “The Fountain”. La cinta está protagonozada por Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis y Stephen McHattie. El guión es del propio director y la fotografía es Matthew Libatique, quien colaboró en todas las películas anteriores de Aronofsky, desde la Escuela de Cine del American Film Institute.

“The Fountain” cuenta con una gran banda sonora de Clint Mansell, que va acorde con cada imagen y palabra.

Esta película es como un sueño, que si estamos dispuestos a aceptar y disfrutar no se nos borrará de la memoria.

Seguramente, “The Fountain” acabará convirtiéndose en un clásico, como muchas otras películas despreciadas por crítica y público en el momento de su estreno, y a las cuales el tiempo ha otorgado su justo y merecido valor.

Foto Imdb

El programa
Esta emisión busca acercarse musicalmente a la esencia artística de la película, la música compuesta por Clint Mansell nos acompaña por este recorrido sonoro, por la tercera película en largo metraje de Darren Aronofsky.

Suena éste sábado 09 de junio a las 2 de la tarde por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.

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La ciencia de los sueños es una película de cartulina, celofán y pegante, hecha con las manos por gente creativa, y que trata sobre gente creativa.

(Foto Warner)

La película contiene imágenes bellísimas, contiene un inventario imposible de objetos que pueblan la imaginación de un sujeto cuyo mundo se encuentra copado de mentiras. Es la mentira, la que levanta la calidad de la cinta, la que estructura un guión caprichoso que vuelve la obra perdurable de un director que posee un olfato exclusivo para lo políticamente no incorrecto, sino monstruoso.

Se supone que esta cinta fue sólo una excusa para que Gondry diera rienda suelta a su imaginación, orquestando divertidas escenas que combinan diestramente realidad con fantasía, expresada en forma de maravillosas secuencias animadas en stop motion que plasman los sueños del protagonista. Sin embargo, la narrativa nunca adquiere la solidez necesaria para respaldar las exóticas imágenes, y por ende la cinta entera termina sintiéndose frívola y hueca.

A pesar de que el elenco realiza su mejor esfuerzo para dar vida a los personajes, y aunque lo logran en cierta medida, el guión los traiciona con frecuentes cambios de actitud y extraños comportamientos que podrán encajar bien en la torcida lógica de la película, pero que no se integran con naturaleza al flujo narrativo.

(Foto Flickr)

Quizás sea un error al buscar coherencia en una cinta dedicada a expresar con gran imaginación los sueños de una persona. Tal vez el punto es simplemente dejarse llevar por sus pintorescos paisajes y sus curiosas criaturas; pero hace falta más para que una obra resulte completamente satisfactoria.

En el plano visual y artístico, “La ciencia de los sueños” es un extraordinario experimento que no teme sacrificar historia a cambio de creatividad y estilo. No obstante, como relato tradicional, resulta flojo y fracturado. Si se tratara de un cortometraje o de un vídeo musical largo, sería perfecto… pero con casi dos horas de duración le hizo falta un mejor balance entre argumento e imagen.

El programa
Esta emisión busca acercarse musicalmente a la esencia artística de la película, la música compuesta por Jean-Michel Bernard nos acompaña por este recorrido sonoro, por la tercera película en largo metraje de Michel Gondry.

Suena éste miércoles 18 de abril a las 9 de la noche por los 100.4 FM, Emisora de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medelín y repite el domingo a las 8 de la noche por el mismo dial.

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Las cinco películas nominadas en la categoría a mejor película del año en el marco de los Premios Oscar de la Academia son: Babel, The Queen, The Departed, Letters from Iwo Jima y Little Miss Sunshine….

The Departed es para nosotros la mejor película del año

Claves musicales:
Nuestro recorrido sonoro nos trae las canciones principales de las bandas sonoras de estas cinco películas.

Sintonícelo el Miércoles a las 9 de la noche en la frecuencia 100.4 FM de la U.N. Radio en Medellín, repite domingo a las 8 pm

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